Aventurier du cinéma populaire à la française, Clément Miserez a fait de Radar Films une machine à fabriquer des univers. Des frissons du cinéma de genre aux grandes fresques familiales, le producteur défend sans relâche une conviction : le grand spectacle exigeant n’est pas le privilège d’Hollywood. Avec Quasimodo, l’âme de Paris, fresque pour Netflix avec Vincent Cassel, il s’attaque à un mythe et tente de repousser une nouvelle fois les limites de la production hexagonale. Rencontre avec un bâtisseur de cinéma qui carbure aux défis.
On peut donc être producteur aujourd’hui sans être le cliché du vieux bonhomme bedonnant avec Porsche, cigare et plein de pognon ?
Clément Miserez : Pour tous les producteurs que j’ai rencontrés, la Porsche, c’est bel et bien fini (rires). Il y a eu une époque marquée par des producteurs à la mentalité très « école de commerce », puis une période où le métier est devenu beaucoup plus technique. Moi, mon dada absolu, c’est le développement des projets et les histoires.
Vous faites donc partie de ces producteurs qui lisent encore vraiment les scénarios ?
Au sein du groupe Mediawan, on me prend parfois pour un fou parce que j’ai un nombre impressionnant de projets en développement en même temps. Mais pour moi, c’est le cœur du réacteur. On imagine trop souvent le producteur comme quelqu’un qui sait manier les chiffres et l’argent. Or, je trouve qu’il est infiniment plus difficile de réunir une bonne histoire, un bon réalisateur et le bon casting que de trouver le financement une fois que tout est en place.
Le plus important, c’est donc le concept, l’histoire ?
Pour moi, tout commence là. J’ai le sentiment qu’en développant, on doit être le tout premier spectateur du film. On ressent forcément une émotion particulière face à certains sujets. Et c’est ce qui me passionne : me dire qu’on pourrait faire un grand film sur un monstre tragique comme Quasimodo. Quand j’étais gamin, mes parents m’ont emmené voir Elephant Man alors que je devais avoir neuf ans. Pendant les quinze premières minutes, j’étais caché sous le fauteuil. À la fin, je pleurais toutes les larmes de mon corps parce que je m’étais profondément attaché à ce monstre.
C’est ce choc de cinéma qui a déclenché votre vocation ?
Exactement. Mon père était médecin, ma mère commerçante, je ne venais pas de ce milieu. Mais assez jeune, j’ai compris que je voulais exercer un métier guidé par la passion. J’adorais le cinéma et le père d’un copain m’a fait découvrir les vieux films, les effets spéciaux, les films de monstres, King Kong, Tarzan… Je dévorais l’émission La Dernière Séance d’Eddy Mitchell, je regardais La Créature du lac noir en 3D avec mes lunettes en carton devant la télé. Puis j’ai rencontré la mère d’un autre ami qui travaillait chez FR3 et participait au financement du Nom de la rose. Quand j’ai compris ce que voulait dire « financer » un tel film, je me suis dit : c’est ça que je veux faire. J’avais quinze ans. Il m’a fallu vingt ans de plus pour produire mon premier long-métrage…
Vous avez pourtant commencé par une école de commerce…
Oui, mais je le regrette. J’aurais dû faire une école de cinéma américaine. Je me suis vite rendu compte que le commerce ne me passionnait pas. J’ai donc enchaîné les stages, dans l’exploitation au Gaumont-Parnasse, sur des tournages, puis au montage TV. C’est là que j’ai compris qu’il fallait apprendre à raconter des histoires. Avec un ami, il y a près de trente ans, on a commencé à écrire un premier scénario. Au troisième projet, quelqu’un du milieu nous a dit qu’il y avait de vraies bonnes idées. C’est comme ça que le réseau s’est créé, puis j’ai eu la chance de croiser des décideurs comme Thierry Desmichelle chez SND et Sidonie Dumas chez Gaumont.
Votre parcours a ensuite pris un virage marquant avec Belle et Sébastien…
Avant cela, j’avais travaillé avec le producteur Stéphane Marsil sur La Loi de Murphy avec Omar Sy. Je suis probablement le seul producteur à avoir fait un film avec Omar Sy qui n’a réuni que 50 000 spectateurs (rires) ! Mais chez Gaumont, Sidonie Dumas m’a maintenu sa confiance. Ils avaient les droits de la série Belle et Sébastien. J’ai été convaincu qu’on pouvait en faire une grande fresque familiale. À force de travail, le premier film a dépassé les 3 millions d’entrées. En cumulant les différents volets, on atteint 7 millions de spectateurs.
Votre filmographie passe sans transition du cinéma familial populaire à des films de genre comme The Secret ou The Deep House…
J’adore le cinéma de genre. Comme ce n’était pas simple de monter certains projets de genre en France, j’ai décidé au départ de développer des films en langue anglaise via le système de coproduction franco-canadien. Je faisais des films « Canada Dry » : ils avaient la couleur du cinéma américain, mais ce n’était pas tout à fait du cinéma américain ! J’en ai produit un ou deux perfectibles, puis j’ai rencontré Thierry Desmichelle autour de The Secret de Pascal Laugier, avec Jessica Biel (sorti en 2012, 600 000 entrées, NDR). Le cinéma de genre n’a jamais été une solution de facilité économique : c’est un amour viscéral.
Le cinéma d’horreur connaît d’ailleurs une vitalité incroyable aujourd’hui…
C’est très cyclique. La période actuelle est particulièrement anxiogène, et le cinéma d’horreur fonctionne comme un exutoire parfait, une expérience collective cathartique. Les Américains utilisent d’ailleurs une expression amusante pour ce genre de films : les date movies. Ce sont des films qu’on va voir en couple parce qu’ils facilitent les rapprochements dans le noir !
Comment reconnaissez-vous une bonne idée ?
J’aime énormément le film à concept. Prenez The Deep House d’Alexandre Bustillo et Julien Maury : une maison hantée sous l’eau. Dès que je pitchais cette idée, les gens avaient une réaction immédiate. Même chose pour Obsession dont le concept est imparable. C’est formidable quand on sort d’un film en se disant : « mais pourquoi personne n’y a pensé avant ? »
Vous participez aussi à cette tendance du cinéma français qui revisite son patrimoine, de Belle et Sébastien aux grandes fresques historiques ?
Quand on est producteur et cinéphile, on a forcément des fantasmes. On se demande si l’on sera le premier à produire un grand film d’époque, ambitieux et coûteux. Puis arrivent Les Trois Mousquetaires, Le Comte de Monte-Cristo et d’autres films qui montrent que c’est possible. On se dit alors que le terrain est peut-être un peu moins difficile et on se lance. Mais je ne suis pas certain que nous suivions consciemment une mode. Nous avons surtout envie de raconter certaines histoires.
C’est cette même démarche qui vous a guidé sur Quasimodo, l’âme de Paris ?
Absolument. Je voulais aborder cette figure sous l’angle du film de monstre sans refaire Notre-Dame de Paris. L’un des scénaristes, Edgar Marie, est tombé sur un article affirmant que Victor Hugo aurait croisé un sculpteur sur pierre difforme peu avant de rédiger son célèbre roman. Voilà, le film était là, partir d’une intuition, trouver un angle inédit et voir l’histoire émerger.
Pourtant, le montage financier a été très difficile dans le système traditionnel…
À un moment, la vie du film s’est arrêtée. Le cinéma traditionnel n’en voulait plus : trop sombre, trop cher, trop risqué ! Les chaînes et les distributeurs hésitaient, d’autant que Les Misérables arrivaient sur le marché. On a failli abandonner. Et puis, par miracle, Netflix a lu le scénario. Il a fallu la conviction de leur équipe – Pauline Dauvin, Gaëlle Mareschi et Melissa Malinbaum – pour que le projet se concrétise. Grâce à eux, nous avons fabriqué le film ambitieux que nous rêvions de faire, sans revoir nos prétentions à la baisse.
Une production destinée directement à la plateforme plutôt qu’à la salle, n’est-ce pas frustrant ?
Jean-François Richet aurait évidemment aimé une sortie en salles. Mais Netflix a été un partenaire extraordinaire. Nous avons pu livrer le film que nous avions imaginé avec Vincent Cassel. Et puis, la puissance de frappe est inédite : sortir simultanément dans 180 pays, doublé en 27 langues… Savoir comment cette œuvre va être reçue au Brésil ou en Thaïlande au même instant, c’est une expérience fascinante.
Comment s’est déroulé le tournage de Quasimodo, l’âme de Paris ?
Nous avons principalement tourné à Paris et en région parisienne, avec une semaine à Bourges, notamment autour de sa cathédrale, qui ressemble beaucoup à Notre-Dame. C’était une expérience formidable. On n’a pas l’habitude de découvrir une cathédrale comme un décor de cinéma. Un film comme Quasimodo, c’est une machine immense. Le plateau était monstrueux, avec une équipe très importante, à laquelle s’ajoutaient les équipes informatiques et les différentes sociétés de production d’effets visuels, notamment françaises. C’est clairement le plus gros projet que j’aie porté à ce jour.
Et pour la suite chez Radar Films ?
Nous venons de boucler la suite des Loups-garous de Thiercelieux pour Netflix avec Jamel Debbouze et Monica Bellucci. Côté cinéma, nous avons Il était une fois, réalisé par Clovis Cornillac. Je développe aussi un projet autour de la Formule 1, le premier long-métrage d’Alexandra Lamy comme réalisatrice, tout en continuant le cinéma de genre. J’ai encore mille idées en tête !
Quasimodo, l’âme de Paris de Jean-François Richet
Disponible à partir du 27 novembre sur Netflix
Par Marc Godin
